Caratteristiche del cubismo
Il cubismo è un movimento artistico emerso in Francia all'inizio del XX secolo. Le opere cubiste cercavano di rappresentare elementi della natura attraverso forme geometriche, in particolare forme cubiche.
Così, lo stile cubista si è opposto al realismo delle immagini che sono state ritratte durante il Rinascimento, per esempio. I principi che definiscono l'arte cubista sono presenti sia nelle arti plastiche che nella letteratura.
Per comprendere meglio l'essenza di questo movimento, controlla alcune delle sue caratteristiche principali nell'arte:
Valorizzazione di forme geometriche e frammentate
Ragazza con mandolino (1910), Pablo Picasso
Come suggerisce il nome stesso del movimento, il cubismo ha come caratteristica principale l'uso delle forme della geometria come componente prominente nelle opere.
L'artista cubista cerca la semplificazione del mondo nei suoi dipinti e, per questo, si appropria di cubi, coni, cilindri e altre forme geometriche con linee diritte e semplici.
Questo figurativismo geometrizzato non deve essere confuso con l'arte astratta, perché diversamente da esso, nelle forme di lavoro cubiste ha un certo livello di identificazione.
Nel cubismo sintetico, ad esempio, le figure sono facilmente associate a oggetti o persone, anche se sono costruite da forme geometriche.
Uso di "rime di plastica"
La fenêtre aux collines (1923), Juan Gris
La cosiddetta "rima plastica" consiste in una tecnica applicata da alcuni artisti cubisti, in cui ogni forma geometrica dava continuità a un'altra, creando un effetto armonioso nell'opera.
Questa tecnica fu creata dal pittore spagnolo Juan Gris (1887-1927), uno dei grandi discepoli di Pablo Picasso, e precursore del cosiddetto Cubismo sintetico (nome dato alla seconda fase del movimento artistico).
Uso del collage come tecnica di ricostruzione dell'immagine
The Guitar (1913), Pablo Picasso
A differenza della proposta di Cubismo analitico, che cercava di frammentare il più possibile le figure reali, il Cubismo sintetico ha cercato di ricostruire le immagini frammentate, rendendole più riconoscibili.
Per questo, la tecnica di legame cominciò ad essere applicata come uno dei metodi più usuali nella composizione di questi lavori. L'artista ha introdotto ritagli di giornali, riviste e pezzi di altri materiali (legno, vetro, metallo, ecc.) Nella pittura, mescolando trame e forme per la produzione delle sue opere.
L'intento del collage sarebbe quello di trasmettere l'interazione tra l'osservatore e il lavoro oltre il campo visivo, suscitando anche sensazioni tattili nelle persone.
Dimissioni di prospettiva
Guernica (1937), Pablo Picasso
Prevalentemente durante la prima fase del cubismo (analitico), gli artisti hanno cercato di presentare i vari angoli e prospettive del lavoro allo stesso tempo e sotto lo stesso piano.
L'oggetto tridimensionale era frammentato, rappresentato in forme geometriche e sovrapposto per creare l'illusione di una tridimensionalità.
La costruzione delle immagini dalla giunzione sovrapposta di questi frammenti trasmette all'artista la sensazione di "scolpire" il dipinto. Da ciò emerge il concetto di pittura scultorea, che definisce anche diverse opere del movimento cubista.
Prevalenza di colori monocromi e opachi
Violino e candelabro (1910), Georges Braque
Alcuni dei nomi di spicco del Cubismo analitico, come ad esempio Pablo Picasso, hanno caratterizzato i suoi lavori usando colori scuri e monocromatici come il marrone, il grigio, il nero, il verde, l'ocra e il beige.
La tavolozza dei colori era molto limitata e in alcuni lavori la differenza era solo tra le diverse tonalità dello stesso colore.
È interessante notare che l'ispirazione per l'uso di questa ristretta selezione di colori è nell'arte africana, che ha influenzato le opere di Cézanne e Picasso (i principali precursori del cubismo).
Mentre il movimento progredisce, i colori più caldi e più vivaci vengono utilizzati nelle opere cubiste. Il principale responsabile di questo cambiamento è stato Juan Gris, il "creatore" del Cubismo sintetico.
Lavora come "esercizio mentale"
Seduto nudo femminile (1910), Pablo Picasso
Il cubismo, specialmente l'analitico, non si limita a ritrarre la natura della forma che si presenta nella realtà, ma un'astratta idea concettuale degli oggetti che vi sono inseriti.
Per questo motivo, le opere cubiste possono essere considerate un "esercizio mentale" per l'osservatore, che deve interpretare l'immagine che è frammentata e sovrapposta da diverse figure geometriche.
Ritiro primitivo
Les Demoiselles d'Avignon (1907), Pablo Picasso
Gli artisti precursori del cubismo sono stati fortemente ispirati all'arte africana, principalmente l'idea della sintesi degli elementi e l'uso monocromatico di alcuni colori ristretti.
È possibile vedere riferimenti diretti alle maschere africane e al concetto di primitivismo in diverse opere di Paul Cézanne, durante il cosiddetto "cubismo pre-analitico" o "cubismo di Cézanne".
Un altro lavoro che mostra l'essenza di questa caratteristica per il movimento cubista è Les Demoiselles d'Avignon di Pablo Picasso. Nella scena ritratta dall'artista ci sono donne di un bordello di Barcellona, alcune delle quali appaiono con maschere di tribù africane.
Influenzato dalla teoria della relatività
Il movimento cubista è emerso in un periodo di grandi rivoluzioni nell'area scientifica. All'inizio del ventesimo secolo, ad esempio, il mondo fu colpito dalla teoria della relatività di Albert Einstein (1879-1955).
Il fisico difese l'idea dell'esistenza di una quarta dimensione, spazio temporale, alterando la concezione tradizionale dell'universo tridimensionale che aveva fino ad allora.
Per gli artisti cubisti, in particolare Pablo Picasso, le sue opere non erano limitate alla nozione convenzionale di spazio, e così egli vide nelle teorie di Einstein una grande ispirazione per il concetto che applicò nelle sue opere.
Scopri di più sul cubismo.
